Clinica de Pipi Piazzolla en Sesiones desde el sótano 2009

Sesiones desde el Sótano es un ciclo de clínicas instrumentales creado para generar un encuentro íntimo entre músicos y amantes de la buena música. Sesiones desde el Sótano reúne a grandes artistas nacionales e internacionales en formato fraternal para compartir sus experiencias y desarrollar clínicas y mini-sets especialmente pensados para esta oportunidad.
Aca les comparto la Clinica que Pipi Piazzolla dio en la inauguracion del ciclo 2009.

Para escuchar los audios hacé clic aquí:  AUDIOS de Clínica de Daniel Piazzolla.

Leonardo Alvarez en batería (Prof. de CAEMSA)

Jueves 29 de octubre

22 hs. en Virasoro .

Rodrigo Dominguez en saxo tenor

Carlos Alvarez en contrabajo y composición

Hernan Mandelman en batería

 http://myspace.com/carlosalvarezmusica

Gustavo Bergalli – Trompeta y Composición

Carlos Alvarez – Contrabajo

Juan Pablo Hernandez – Guitarra

Sábado 31 de octubre

En THELONIOUS

Hola Gente amante de la música: tengo el agrado de comunicarles que el día jueves 1 de octubre vamos a tocar con mi trio en Virasoro a eso de las 21:30hs. En el grupo estamos Rodrigo Dominguez en saxo tenor, Hernán Mandelman en batería y yo en el contrabajo y la composición. Realmente, va a ser una linda tocada ya que hace bastante que venimos guardados y por otro lado estamos con ganas de grabar esta música, ya sea por medio de un mecenazgo sorpresivo o por el asalto a algún banco de poca monta.

Solo faltan los oyentes y estamos todos.

Un fuerte abrazo y los espero

VIRASORO BAR

guatemala 4328 – Reservas:4831-8918

www.virasorobar.com.ar

http://myspace.com/carlosalvarezmusica

De herencias y proyecciones

Luego de diez años de trayectoria, el sexteto del nieto de Astor, Daniel “Pipi” Piazzolla, decidió abordar formalmente el repertorio del autor de “Adiós Nonino”. En la primera jornada del festival también hubo un Bandoneonazo, reunión de cuatro bandoneonistas sub-23.

Por Carlos Bevilacqua

Escalandrum, una notable agrupación con espíritu jazzero.

Hay cosas que se heredan. Y las más valiosas no son materiales, sino espirituales: ideologías, hábitos, sensibilidades, actitudes. El baterista Daniel “Pipi” Piazzolla se parece a su abuelo Astor en algunos rasgos fisonómicos, pero también en la dedicación al trabajo, en el gusto por los riesgos, en el grado de exigencia para elegir a sus compañeros de ruta y hasta en esa furia que se adivina detrás del gesto cuando toca. Al menos eso transmitió durante el concierto que dio anteanoche con el sexteto Escalandrum en la ex tienda Harrods como parte del Festival de Tango de Buenos Aires.

La del sábado fue la primera vez que el sexteto tocó formalmente la obra del genial bandoneonista marplatense. “Siempre nos pedían que tocáramos esta música, pero nosotros quisimos hacer nuestro camino”, explicó “Pipi” en una de sus varias alocuciones entre un tema y otro. Aunque con algunas influencias de los géneros típicos argentinos, Escalandrum es básicamente un grupo de jazz, tal como puede deducirse de su formación, compuesta por piano, batería, contrabajo y diferentes tipos de clarinetes y saxos. Luego de diez años de trayectoria en los que grabaron cinco discos y realizaron varias giras por América latina y Europa, sus integrantes (“por encima de todo, un grupo de grandes amigos”, según se definen) consideraron que estaban lo suficientemente preparados como para interpretar la obra del genial bandoneonista. Pero no lo hicieron abordando sólo sus clásicos ni reproduciendo los arreglos más conocidos. Producto de una votación entre los seis músicos, eligieron temas igualmente ricos a los que imprimieron hermosos arreglos en cuatro meses de intensos ensayos. Fue gracias a esa política que pudieron escucharse el cambiante “Lunfardo”, los poderosos “Tanguedia” (con la típica tensión piazzolleana in crescendo hasta más no poder) y “Vayamos al diablo” (donde el baterista lució su virtuosismo en un aplaudido solo), así como los más sosegados “Romance del diablo” (que “Pipi” conoce desde que lo tocaba en el Octeto de su papá Daniel, allá por los ’90) y “Oblivión”, donde el clarinete llevó la línea melódica en feliz decisión. Como piezas más conocidas, los Escalandrum entregaron también muy personales versiones de “Escualo” y “Buenos Aires hora cero”, que comenzó con un largo solo del contrabajista Mariano Sívori para luego ir recibiendo diferentes sonidos de la noche (remedos de pasos, murmullos, sirenas) generados por los demás instrumentos. El sexteto se despidió con los proféticos “Fuga 9” (incluyendo un notable solo del pianista Nicolás Guerschberg) y “Adiós Nonino”, este sí un superclásico en versión extendida, bis que “Pipi” había supeditado a que “tiren abajo Harrods al pedirlo”. Más cerca de ese azuzado fervor que del conservadurismo imperante hace once años, el público del festival vibró con la audacia de un grupo que asumió el difícil desafío de homenajear a un prócer de la música argentina sin perder el sonido que lo identifica. Junto a la batería de Piazzolla, los vientos de los virtuosos y dúctiles Martín Pantyrer, Damián Fogiel y Gustavo Musso fueron lógicos protagonistas del show, pero por momentos llegaban a tapar al piano y al contrabajo, acaso por algún desbalance en el volumen de los micrófonos.

Más allá de lo musical, Pipi dejó algunas anécdotas familiares de interés público. “En su última época, mi abuelo se había agarrado la costumbre de tirar el bandoneón para atrás después del último tema. El bandoneón volaba y mi viejo era el encargado de atajarlo”, contó para sorpresa de los presentes que desbordaron el estrecho auditorio destinado a los conciertos. A su tiempo, aprovechó también para explicar que el nombre del grupo combina las palabras “escalandrún” (variedad de tiburón que Daniel solía pescar con su abuelo en la costa bonaerense) y “drum” (batería, en inglés).

La primera jornada festivalera en Harrods había arrancado a la tarde con “El Bandoneonazo”, un auspicioso encuentro de bandoneonistas de entre 20 y 22 años que vienen tocando, componiendo y arreglando profesionalmente en diferentes formaciones. Acompañados por el también veinteañero Nicolás Falasca en contrabajo, Damián Foretic, Marco Fernández, Clemente Carrascal y Nicolás Tognola (director y arreglador de la juntada) interpretaron tangos, milongas y valses clásicos con un lenguaje original. Además de condiciones técnicas, mostraron fuertes personalidades, tanto en la expresión conferida a cada pieza como en la forma en que ensamblaron varios temas en un par de popurrís y en el siempre sano gesto de probar composiciones propias, como las bucólicas “Todo se transforma” e “Introspección, fruta madura”, ambas de Tognola.

Fueyes, composición, grupo, juego, riesgo, adrenalina, futuro. Todas entidades que vinculan al gran Astor con los nuevos instrumentistas en una eterna invitación al coraje.

Link a la nota:
http://www.pagina12.com.ar/imprimir/diario/suplementos/espectaculos/2-14959-2009-08-17.html

de 16 a 17 hrs. en “Sinestesia” por Radioeter

escuchálo en www.radioeter.com.ar

http://www.myspace.com/carlosalvarezmusica

7 Black Butterflies – Drew Gress

1.   Rhinoceros
2.   Bright Idea
3.   New Leaf
4.   Zaftig
5.   Bas Relief
6.   Blue on One Side
7.   Wing & Prayer
8.   Low Slung High Strung
9.   Like It Never Was

 Sábado, 13 de Junio de 2009 MUSICA › PRIMERA EDICION DEL FESTIVAL JAZZ AL FINUshuaia, una ciudad de cruces El encuentro tiene el acento puesto, según sus organizadores, en “sacar afuera lo que hay en Tierra del Fuego”. En la primera jornada se lucieron el cuarteto del contrabajista Pablo Basez y numerosas agrupaciones locales. Mañana será el cierre, a cargo de Escalandrum.  

 Por Diego FischermanDesde Ushuaia

El movimiento de las calles centrales resulta extraño en medio de la noche cerrada. A las nueve de la mañana, el amanecer se intuye en el rosado con el que comienza a pintarse el borde nevado de los cerros. Hace calor, dicen. Unos seis o siete grados y faltan apenas veinte días para la noche más larga. “Es una ciudad de cruces”, define Sandra Ruiz Díaz, cabeza de la Fundación Inti Main y gestora del Festival Jazz al Fin cuya primera edición acaba de empezar en Ushuaia. “Por eso el jazz; porque es una música de cruces y de ensambles, de momentos únicos, fugaces e irrepetibles, como son las relaciones aquí, donde siempre hay gente que llega y gente que se está yendo.” Frente al canal, como una amenaza, crece mientras tanto Puerto Williams, una pequeña problación chilena que promete arrebatarle a Ushuaia uno de sus cetros: el de ciudad más austral del mundo. Puerto Williams todavía no es ciudad, argumentan los fueguinos, pero ya está, inevitablemente, más al sur.Con un festival de música clásica y una bienal de artes plásticas absolutamente consolidados, la idea del “fin del mundo” ha demostrado ser una de las marcas más exitosas de los últimos tiempos. Aquí, donde existe el único cartel de tránsito con dirección única de la Argentina, aquel que indica “La Quiaca 5171 km” –y es que se vaya adonde se vaya no hay más remedio que acercarse a La Quiaca–, todo, desde las casas de ropa o comida hasta los kioscos, reclama su pertenencia al confín. En el origen hay una novela de Jules Verne, El faro del fin del mundo. Y, por supuesto, un malentendido. Aquel faro nombrado por el francés no es el de “les eclaireurs”, situado en uno de los islotes del canal de Beagle y casi frente a la ciudad, sino el de San Juan de Salvamento, ubicado en la Isla de los Estados y construido en 1884. Pero a nadie le importa. También este pequeño faro, rodeado de lobos marinos, tiene derecho a la marca.Sin nieve en la ciudad ni en los alrededores, Ushuaia recibió, en cambio, el calor del jazz y de los encuentros de los que habla su programadora. “La gripe y la crisis europea hicieron que, a último momento, algunas de las presencias previstas declinaran su participación.” Ella se asombra de que, cuando comenzó a saberse acerca del proyecto de este festival, los primeros músicos en interesarse aparecieron en Austria y Francia. Finalmente, Jazz al Fin encontró su perfil en el acento puesto en “sacar afuera lo que hay en Tierra del Fuego; Canal (à) lo está filmando y su producción será vista durante seis meses en toda América latina”. Y la apertura no podría haber sido más representativa de la tradición de una población cuya actividad comenzó alrededor de una base: en la calle San Martín, y frente a los transeúntes, la Banda de la Base Naval tocó éxitos de Glenn Miller y, luego, en el Centro Cultural Beagle, que ocupa parte del terreno del antiguo aeropuerto, precedió a otra banda, la Municipal de la ciudad, y al cuarteto del contrabajista Pablo Basez. Este muy buen instrumentista, con un grupo homogéneo en el que se destaca, de todas maneras, el guitarrista Rodrigo Agudelo –quien a pesar de no nombrar a John Scofield entre sus referentes comparte con él el gusto por ciertas frases angulares y por la manera de acentuar en el rasguido– mostró temas propios y, justamente, de Agudelo, con un nivel sumamente competente.El festival continúa con la presencia de Bazar Mandala, un grupo de Ushuaia que juega alrededor de eso que el mercado denomina “música del mundo” (y en este caso oída, claro, desde el mismo fin), el dúo mendocino El Sosías, conformado por Rodolfo y Osvaldo Tomello en saxo alto y piano respectivamente, y el trío del guitarrista Luis D’Agostino junto al contrabajista Mariano Sívori y el baterista Daniel “Pipi” Piazzolla que, junto a su grupo Escalandrum, tendrá a su cargo el cierre del festival, el domingo a la noche. Otros grupos de Ushuaia –Blue Velvet, el dúo de Lucía Boffo y Horacio Gómez–, la Occidental Sax Band de San Juan y el neuquino Hotel Confluencia, que en su nombre homenajea al legendario lugar de su ciudad que parece haber sido uno de los primeros del país en que se tocó jazz, serán algunos de los animadores de este encuentro que, además, se ramifica y extiende cada noche cuando, en algún pub, los músicos de unas y otras partes, confluyen, como en aquel hotel neuquino, en nuevas músicas. En esos cruces y ensambles que no son otros que los de la propia ciudad que pregona el fin del mundo pero donde, más bien, se avizora el principio.

Un músico que cosecha lo que sembró  

El baterista superó tiempos duros y dudas. Toca con otros artistas y se dedica a la docencia.

Leonardo Álvarez es uno de los grandes músicos que dio el Alto Valle. Vive en Buenos Aires, donde trabaja de lunes a lunes con perseverancia y pasión. Habla de su lugar de origen, de cómo sus primeros maestros le ampliaron la visión y de su vida en la gran ciudad. Hay elecciones y azares que definen la vida por venir y resignifican el pasado. Puede ser la llegada de un hijo, puede ser la compra de una casa, una pelota o una muñeca. Lo anterior pertenece a un pasado que no es el de uno o, al menos, no de uno como es ahora, después del pasado. “…antes de ti yo no era yo, no había ninguno de los dos… no entiendo cómo podía vivir antes…” le canta Jorge Drexler a su hijo. De igual manera resulta muy difícil imaginar a Leonardo Álvarez sin batería, sin música. Sus palabras, sus gestos, sus movimientos hablan de música, hablan con música.Leonardo habla lo necesario. No adorna las frases, habla en forma simple y directa.Su formación tiene algo académico y mucho de popular. Nació en Villa Regina, hace 28 años y vivió la mayor parte de su vida en General Roca. Hace diez años vive en Buenos Aires, alternando sus actuaciones musicales con la docencia. Participó en grabaciones, de diversos estilos, que van desde el rock al jazz y se detienen especialmente en el folclore. Tocó en musicales de la calle Corrientes.

- ¿Cómo fueron tus comienzos con la música?- Empecé más o menos a los 8 años, en forma intermitente en Casa de la Cultura con Stella Pellegrini. A los 14 cuando me compré mi primer batería, retomé los estudios de una forma más continua, en el I.N.S.A. y tomando clases particulares con Santiago González. Era el momento de furor de los video clips, nacía MTV. Pasaba el día mirando videos, los grababa y volvía a ver a la noche. Era fanático del heavy metal, del punk… Metallica, Megadeath, etc… era bastante cerrado.

- ¿Ahora estás muy lejos de esos estilos?- No, lo escucho y disfruto. No estoy tocando esos estilos, pero me siguen gustando. Hubo alguien que me ayudo mucho a abrirme a otros estilos: Miguel Portal, mi profesor de música en el secundario. Él nos hacía tocar música de Piazzolla, Charly García, jazz… descubrí un universo nuevo. Escuchaba “Libertango” de Piazzolla y sentía la misma fuerza que con Metallica. Esa apertura tiene que ver con lo que soy hoy, me gustan muchos estilos y trato de tocar de todo.

- ¿Qué te trajo a Buenos Aires?- Lo vi a Daniel “Pipi” Piazzolla dar una clínica de batería en Roca y quedé totalmente sorprendido con su manera de tocar, en mi vida había estado presente en una performance de tal magnitud. Hablé un poco con él acerca de la posibilidad de ser su alumno y me dijo que para ser músico había que estudiar como estudia un médico, un ingeniero y tener mucha disciplina, todos los días ocho horas frente al instrumento como mínimo. Me dejó su teléfono y lo llamé un par de veces y en unos meses estaba viviendo en Buenos Aires y tomando clases con él. También tuve el apoyo de mis viejos desde mis comienzos cuando me regalaron la batería a los 14 años.

- ¿Sentís que tu vida en el Valle sigue influyendo en tu música?- ¡Por supuesto! Mi vida en el Valle influyó en mi persona y mi música es un reflejo de ella. La tranquilidad de la calle y conocer al vecino, son cosas que voy a extrañar siempre.

- ¿Cómo ves la actividad musical de Río Negro y Neuquén?- Hay personas que valoro mucho por lo que hacen como Luis Andrade, Mario Giménez, Andrés Fuhr, entre otros. Son como pilares de una escuela expresiva, original y comprometida con la música. Por otro lado, si quiero conocer la música de un artista de la zona, no tengo los medios para llegar a él. No hay muchos discos ni shows con la promoción necesaria. También veo que muchos músicos están pendientes de ir a tocar al casino o a un evento redituado y dejan de lado lo que para mi es muy importante: el desarrollo de una voz propia.- Un artista sin nada para decir y sin un espacio donde expresarlo, a largo plazo desaparece o aparece tocando en un casino.- La sociedad y los entes encargados de la cultura son parte responsable de la existencia de artistas.

- ¿Estás en contacto con músicos roquenses que vivan en Buenos Aires ?- No estoy tocando con ninguno de ellos en este momento, pero estoy en contacto con Federico Salgado, Jesús Fernández, Gabriel Domenicucci, Lucio Balduini y varios más. Sigo la carrera de todos ellos y nos vemos seguido. No es fácil armar proyectos en una ciudad tan grande. Vivir en lugares chicos tiene grandes beneficios, se vive en casas y no departamentos. Imaginate ensayando en un departamento de cuatro por cuatro. Por momentos la ciudad puede ser muy hostil. A mi me costó mucho encontrar mi lugar, y en varias ocasiones, estuve a punto de abandonar la música, estuve a punto de volver a Roca. Ahora estoy disfrutando de los beneficios, tengo mi lugar, mi escuela, que es el centro de todas mis actividades, estoy tocando mucho y cosechando lo que sembré en tantos años.

- Contanos sobre tu actividad en Buenos Aires.- Me llevó diez años de trabajo y estudio muy duro llegar a generar la actividad que hoy tengo. En la actualidad estoy participando de cuatro proyectos de artistas jóvenes que están editando su primer disco este año. La música que toco con ellos es folclore, música latinoamericana, jazz, drums & bass y ¡el infinito mundo de la improvisación! También trabajo como sesionista, por ejemplo toqué durante el 2008 en la ópera “María de Buenos Aires” de Astor Piazzolla, junto a grandes músicos, algunos de los cuales tocaron con Astor, es increíble. En este momento también estoy tocando en el musical “Eva”, con Nacha Guevara. Por otro lado, me dedico a la docencia y en un proyecto de orquesta infantiles del Gobierno de la Ciudad, en el que doy clases de percusión a chicos de zonas carenciadas.

-¿Imaginabas hace diez años estar en el lugar donde estás?- La verdad es que en estos 1 años pasé por muchos momentos difíciles donde vivir en Buenos Aires me jugaba en contra. La ciudad y los recursos que yo tenía me estaban llevando para un lugar al que no me interesaba. Había perdido mis objetivos. A los 24 años en un acto casi de desesperación fui y me anoté en un curso de Marketing, pagué la inscripción y cuando comenzaba el curso, por suerte, ya había recapacitado. Ahí fue donde decidí mi futuro.

- ¿Con quiénes te gustaría tocar?- Con cualquier persona que sienta la música con respeto y amor.

- ¿Cómo te ves en 20 años?- Más tranquilo y más agradecido.

- ¿Qué estás escuchando?- Estoy totalmente absorbido por una red social que se llama myspace, donde cada artista puede subir su música, fotos, próximos conciertos y uno puede hacer comentarios e invitar al otro que escuche tu música. Tengo muchos amigos por todo el mundo gracias a esto. Es muy divertido. Mi space es: www.myspace.com/choloargento

- ¿Qué cosas te hicieron llegar a donde estás?- Creo que un músico tiene influencias de otros músicos pero yo no podría descartar la influencia de mis padres, que teniendo otras profesiones, me educaron y enseñaron muchas cosas que hoy son indispensables a la hora de trabajar como músico. También mis maestros Piazzolla, Minichillo y Verdinelli me supieron guiar muchísimo, ellos me enseñaron a respetar, valorar y compartir. Elementos fundamentales para la vida, sin ellos no hubiera llegado a ningún lado. Estos tres profesores, son los que determinaron mi camino, son los tres muy distintos, pero tienen mucha identidad para tocar y eso me ayudo a formar mi propia voz en la música, que en definitiva es lo más importante, es contar quién sos, cómo sos, de dónde venís.

- ¿Tenés pensado volver al Valle ?- Sí, me gustaría, pero todavía no. Ahora estoy disfrutando lo bueno de las ciudades grandes, que es la gran movida cultural y por suerte la estoy disfrutando desde adentro (risas).Termina de hablar, mira sin disimulo el reloj y levanta la vista como preguntando “¿algo más?”.

- No, gracias.

OSCAR ALBRIEU ROCA

Entrevista a Juan Pablo Hernández (Profesor en CAEMSA) y a su grupo “Deshoras” en FM LA TRIBU 88.7.

 Comienzo por explicar que el target es el objetivo. Esta técnica es relativamente sencilla conceptualmente, pero no es una técnica “mecánica”. Esto quiere decir que incluso aplicada “correctamente” puede no funcionar.

La idea es la siguiente. Elegimos un determinado acorde al que vamos a considerar como “target”. Es conveniente que este acorde sea relativamente estable (por ejemplo, no es ideal un target -7(b5), sí un -7, un maj7, una tríada mayor o menor, etc.

Del target hacia atrás eliminamos los acordes una determinada cantidad de compases. Podemos pensar en dos compases por ejemplo.

Completo esos dos compases con armonía funcional dirigida hacia el acorde target.

Cuando hablo de armonía funcional me refiero a lo que se conoce como “armonía de corchetes y flechitas”, esto es utilizar: Dominantes secundarios, dominantes extendidos, substitutos, segundos relativos e inclusive intercambio modal.

Por último, el ritmo armónico es a elección. Pueden ser uno o dos acordes por compás, esta es la situación mas típica. En general depende del ritmo armónico del tema en general. Eso es todo.

Espero que les sea útil. Nos estamos viendo.

 Gabi Toker

 Voy a comenzar haciendo un muy breve resumen de armonía modal.

Los temas modales basan su armonía en un determinado modo, en el “color” característico de ese modo. Estos son: Dórico, Frigio, Lidio, Mixolidio y Eólico.

Cada uno de ellos tiene una nota característica (por ejemplo b7 en el modo Mixolidio) y sus acordes característicos, que son aquellos que contienen la nota característica (por ejemplo bVII y V- en Mixolidio). Cuanto más cerca de la fundamental del acorde está la nota característica, mas importante es ese acorde característico.

En general la armonía modal se construye “jugando” entre el acorde de tónica del modo y el o los acordes característicos. Por ejemplo, en el modo Mixolidio:   I    bVII    I    V-    I

Es muy importante evitar el II V I al relativo Jónico (hacia el que hay una gran atracción), en Mixolidio: V-7  I7  IVmaj7

La idea es rearmonizar una sección utilizando armonía modal. Para esto la melodía debe ser lo suficientemente diatónica (a un determinado centro tonal). Es importante -como en cualquier técnica de rearmonización- que la armonía funcione con la melodía en cuanto a tensiones disponibles, NDA, etc., pero también es muy importante que la sección rearmonizada “funcione” con el resto del tema.

Otro dato importante es que la sección a rearmonizar no debe ser demasiado corta, para que se llegue a establecer el modo.

Esta técnica se puede aplicar en distintas secciones de un tema y en diferentes modos.

Hasta la próxima.

Gabriel Toker.